Monty Richthofen

In diesem Text, der den Versuch unternimmt, die künstlerische Arbeit von Monty Richthofen zu begleiten, wird die Annahme aufgestellt, dass Sprache Realität erschaffen kann. Das muss der Text annehmen, denn sonst hätte er sich gar nicht schreiben lassen müssen. Dann hätten all die Wörter, die hier Verwendung gefunden haben, auch im Äther der Bedeutungslosigkeit verbleiben können. Doch im Windschatten dieser Annahme werden hier Worte miteinander verbunden, um sich einem Werk zu nähern, das sich aus Sprache zusammensetzt, das Sprache zu seiner Grundlage gemacht hat und das sich konstant verändert, so wie auch die Realität sich immer wieder, in jedem Moment neu zusammensetzt.

Formal kann man in dieser neuen Ausstellung von Monty Richthofen den Umgang mit einem Gedicht betrachten und wie dieses Gedicht, das Richthofen geschrieben hat, sich auflöst, verschwindet, sich an anderer Stelle neu zusammensetzt, nur um dann wieder aufzutauchen. Es wird sich im Verlauf der Ausstellung in unterschiedlichen Darstellungsformen manifestieren. Formal hat es hier jemand geschafft, der Flüchtigkeit gesprochener Sprache einen ästhetischen Ausdruck zu verleihen. Denn Sprache erzeugt keine absolute Wahrheit. Und so bleiben auch Richthofen und seine  Wahrheit wandelbar, fragmentiert und interpretationsbedürftig.

Elf großformatige Malereien sind als Ausgangspunkt im Hauptraum der Galerie zu sehen. Das Gedicht zieht sich durch die gesamte Malerei, wird aber immer wieder ausgeschwärzt und ist nur fragmentiert zu lesen. Das, was nicht zu lesen ist, was man sich denken muss, wird von den sprechenden Titeln der Bilder formuliert: „THE TRUTH NOBODY WANTS TO HEAR“ oder „THE NIGHTMARE I NEVER DREAMED OF LIVING“. Mal sind die Teile des Gedichtes durch wolkenhafte, schwarze Formen übermalt, die die Schrift aussehen lassen wie verkohlte Holzscheite, die nach einem lodernden Feuer, als Überreste des Exzesses, übrigbleiben. Manchmal wird die Schrift in ihrer vermeintlichen Eindeutigkeit durch präzise, quadratische Flächen unterbrochen, die das visuelle Vokabular erweitern. Sie funktionieren als Gegenpol zur impulsiv wirkenden Übermalung. Die Farbigkeit ist überschaubar. Meistens sind es zwei Farben, mit denen Richthofen arbeitet. Die Bilder, auf denen sich Schwarz auf Knallgelb befindet („GLOBAL WARMING 4EVA“) oder man die Worte „KILL YOUR INNER CEO“ noch gerade so auf dichtem Orange ausmachen kann, entfalten geradezu eine Signalwirkung. Sie scheinen zu rufen: „Achtung! Hier passiert etwas, das man sich genauer anschauen sollte!“ Findet man sich dann vor einer der großformatigen Leinwände (200 x 170 cm) und versucht zu entziffern, was dort wohl einmal gestanden haben mag, begibt man sich wie ein Archäologe in die verschiedenen Gesteinsschichten, mit denen die Schrift überlagert wurde, die Zeugnis der menschlichen Existenz ablegen.

Begleitet werden die Malereien von Zeichnungen, die man als Notizen verstehen kann, die ihnen einen Kontext geben. Sie sind nicht in direktem Zusammenhang entstanden, aber im gleichen Zeitraum. Das, was den Künstler während der Entstehung der Bilder beschäftigt hat, drückt sich auch in den Zeichnungen aus. Sie sind unter dunklen Hauben gerahmt, was dem Effekt des Ausschwärzens nahekommt. Es entsteht eine Undurchdringlichkeit, mit der man sich jedoch nicht abfinden kann. Man versucht zu durchdringen, was von der Haube verborgen bleibt. Es sind Notizen, wie man sie während eines Telefonats macht, in die sich unterbewusst einschreibt, was einen beschäftigt, und in denen sich der Zeitgeist ganz unverfälscht spiegelt.

Das Gedicht findet sich in vielen verschiedenen Zuständen in dieser Ausstellung wieder. Der visuelle Teil bleibt bestehen, doch es gibt auch eine hörbare Dimension, die nur, wenn sie zur Aufführung kommt, erlebbar ist und danach wieder verschwindet.

Richthofen hat gemeinsam mit dem Musiker Moritz Haas Töne gefunden, die die Worte begleiten. Im Rahmen einer Performance findet das Gedicht so seinen Weg in den physischen Raum, offenbart eine weitere Dimension und eröffnet seine sonst verborgene Vielschichtigkeit. Die Performance wird nicht aufgenommen und nicht konserviert. Man kann sie nur in diesem einen Moment, an diesem einen Ort erleben. Es ist ein flüchtiger Zustand, wie ein Gas, das zwar da, aber nicht sichtbar ist und das sich nach einer Weile verflüchtigt. Das Gedicht breitet sich aus und verlässt die Zweidimensionalität der Leinwand. Die Worte überschreiten die Grenze des Sprachraums und manifestieren die Bedeutung der Kunst als letzte Bastion der körperlichen Anwesenheit. In kaum einem Moment verdichtet sich Gegenwart so sehr wie im Moment der Performance. Die Verbindung, die sich aus der Unmittelbarkeit und den Bildern ergibt, die ihre Botschaft dauerhaft im Verborgenen tragen, erzeugt ein Spannungsfeld innerhalb der Ausstellung.

Richthofen kommt aus dem Graffiti-Umfeld, wo nichts für die Ewigkeit geschaffen, jedes bisschen platzierte Farbe bereits ein Gewinn und die Überschreibung immer bereits inbegriffen ist. Man kann diese Herangehensweisen auch so lesen, dass es nicht das eine, das festgeschriebene Bild gibt, sondern immer eine Vielzahl an möglichen Erscheinungsformen und dass die konstante Veränderung der Gegenwart immer mitgedacht wird. Durch die Übermalung und Überlagerung von Worten durch Farbe, die bewusste Auslassung von Eindeutigkeit und das Hinübergleiten der Worte in Sound findet Richthofen einen ästhetischen Ausdruck für die Flüchtigkeit  und Uneindeutigkeit gesprochener Sprache.

Diese Malerei kann anerkennen, dass sich die Gegenwart nur in der Bewegung, in der Veränderung abbilden kann. Doch Richthofen ist kein Maler, kein Dichter und kein Zeichner. Obwohl er all diese Dinge tut, ist er nichts davon im klassischen Sinne. Vielmehr arbeitet Richthofen mit dem Medium, das sich am besten als Träger seiner Botschaft eignet. Deswegen tut er das, was man gern als interdisziplinär beschreibt, ganz intuitiv und verbindet in seiner Praxis Poesie, Sound und Malerei. So fluide wie die Botschaften seiner Werke sind auch seine Zeichenträger. Und so muss man alles zusammen lesen und wahrnehmen, um das vielschichtige künstlerische Statement dieser Kunst zu erfassen: die Bilder, den Sound, die Poesie.

Es ist ein konstantes Austarieren zwischen persönlicher Freiheit und Verantwortung, für das Richthofen hier eine ästhetische Entsprechung findet, ohne auf Eindeutigkeit zu bestehen. Das Aushalten dieser Uneindeutigkeit ist eine der größten Herausforderungen einer Gegenwart, die so laut nach einfachen Wahrheiten verlangt. Dabei ist die Wahrheit ein unpräziser Begriff und zeigt sich nur selten. Sie ist scheu und verhüllt sich gern, wird niedergeschrien von sogenannten „Fake News“ und vereinfachten Darstellungen von Sachverhalten, die komplex sind.

Diese Umstände verlangen umso dringender nach einer Kunst, die sich diesen Eindeutigkeiten entzieht, die ihre Betrachtenden herausfordert, die sich traut, sie im Dunkeln stehen zu lassen, nur um sie dann in der körperlichen Begegnung wieder zu umarmen. Richthofens Arbeit sprengt dabei ganz nonchalant die Kategorien, in die man Künstler gern steckt. Vielleicht muss man sein Werk konzeptuell einordnen, um es dem eng gesteckten Feld der Malerei zu entziehen. Denn Richthofens Kunst eignet sich den Raum an, nimmt ihn ein und erweitert ihn ins Grenzenlose.

Sie holt niemanden ab, sie bietet keine einfachen Lösungen an. Vielmehr stellt sie sich der Welt, wie sie jetzt ist, und findet Wege, ihre Ambiguitäten auszuhalten und ihnen Ausdruck zu verleihen. Dieser Ausdruck hat sich wohl noch nie so verheißungsvoll gezeigt.

Laura Helena Wurth, geboren in Berlin, ist Autorin und Kritikerin. Sie schreibt regelmäßig über zeitgenössische Kunst und Architektur für die FAZ, FAS, KUNSTFORUM International. Sie arbeitet außerdem für den Deutschlandfunk Kultur. Sie ist Mitbegründerin des Projektraums FKA SIX, der sich in einem Einkaufszentrum mit dem Thema zeitgenössischer Ruinen befasst und bringt gemeinsam mit Louisa Hölker das monothematische Kunstmagazin One to(o) Many heraus, das viele verschiedene Stimmen zu einem einzigen Kunstwerk vereint.