Lukas Städler

Den Mittelteil haben Sie gerade gesehen, denn der Mittelteil, das waren Sie, und den Epilog halten Sie in den Händen.

Ein Bild konnten Sie sich machen, drei Akte sind Sie geschlendert und haben sinniert.

Wie viele Dramen könnten hier stattfinden, welche Geschichten werden hier erzählt, ein Moment der Stille, Intimität im Geheul der Großstadt, ein Märchen am Tümpel, oder ein Woanders erkennen?

Die Ouvertüre ist zum Ankommen da, bevor es richtig losgeht, das Setting verstehen, die Protagonist*innen eines Schauspiels, das dramatische Potenzial, das Pathos eines wortlosen Moments und die Erwartungshaltung eines Danach.

Gleich geht es los, aber wir sind noch in der Ouvertüre, wir erkennen die Umgebung, die Requisiten, welche noch nicht bespielt wurden, aber gleich könnte es losgehen.

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Die Fotografie umweht ein Hauch der Bühnenkunst, der wortlosen Bühnenkunst. So wie die Ouvertüre die wortlose Sequenz eines Abends in der Oper. ist, der das große Gefühl nicht scheut, so ist das Foto ein Objekt, in dem auf eine unironische Art Pathos und Melancholie (wortlos) ihren Platz finden, ohne dabei auf etwas anderes zu verweisen als auf die Materialität selbst, die fixierte Zeit, das Licht, ein Blick in das Gewesene und der blickende Blick auf uns.

Lukas Städlers Ouvertüre – im Verlauf dieses Epilogs nenne ich ihn Lukas, denn der Gestus dieses Texts ist der der Freundschaft und es wäre albern, diese mit einer Form der Objektivität zu verschleiern –, Lukas’ Ouvertüre ist die Geste eines Beginns. Sie werde ich, wie zu Beginn, weiterhin siezen, um den nötigen Abstand zu gewährleisten, der doch für eine angemessene Betrachtung unabdingbar scheint. Ouvertüren und Epiloge, sie markieren den Anfang und das Ende, sie ermöglichen einen Freiraum, der dazwischen liegt. Die Ouvertüre, die Sie gerade gesehen haben, sie markiert genau diesen Freiraum, der in der Luft zu liegen scheint, und hat Sie zu Spectatores gemacht, einem Spektakel konnten Sie beiwohnen, aus dem Dunklen heraus, über die Lichtgestalten spekulieren, Ihre Schaulust befriedigen, einem intimen Moment beiwohnen, ohne das sichere Nest des Voyeurs verlassen zu müssen. Die ausgestellten Fotografien, sie stellen ihre Akteur*innen nicht aus, sie nehmen uns vielmehr an die Hand und laden uns ein zu partizipieren. Ein zweiter Gestus, der einem wohlig entgegentritt. Wenn ich Ihnen hier mit Wörtern wie Spektakel mit der Tür ins Haus falle, dann sei dies durch meine eigene Profession (das Theater), die in diesem Epilog auch nicht verschleiert werden kann, durchaus nicht nur eine Prothese, um den Graben der Kunstgattungen zu überspringen, sondern scheint ein angemessenes Werkzeug, um die Linsen scharf zu stellen und Licht in die Dunkelkammer (darkroom) scheinen zu lassen.

Erinnern Sie sich an die Ouvertüre, sie war der Beginn, vielleicht schließen Sie noch mal die Augen und überprüfen, was auf ihrer Netzhaut haften geblieben ist, ohne didaktisch zu werden, seien Sie der Apparat, der Licht aufnimmt, um selbst strahlen zu können. Und dann ein zweiter Blick, was ist passiert? Es sind immer noch dieselben Augen, dasselbe Material, dasselbe Licht, nur die Zeit hat sich zwischen uns geschoben. Der Blick, es ist immer der zweite, er denkt wehmütig an den ersten. Wir betrachten ein Stück Vergangenheit, das doch in die Zukunft verweist. Vielleicht der dritte Gestus, der mich an die Bühne denken lässt. Das Spiel von Leben und Tod, die Bilder vom Leben, die uns an den Tod denken lassen, und die Bilder vom Tod, die uns unseres Lebens gewahr werden lassen, schwer und leicht. Lukas’ Fotografien erscheinen uns schwer und leicht zugleich, schwer in ihrer Aneignung und Neuinterpretation einer romantischen Note und leicht in ihrem subtilen Humor und ihrem Versprechen vom Platz des Menschen an Orten, die uns verwunschen und magisch erscheinen und die einen verbinden mit der Zeit, in der man lebt. Der Tod wird nicht versteckt, er hat seinen festen Platz in diesem Reigen der Nymphen am Teich, genauso wie in den Portraits, den Details und den Objekten, die das Leben auszumachen scheinen und die uns im Hier und Jetzt verorten und uns mit einem warmen Gefühl umarmen, unverstellt und pur, ohne einen Anspruch auf oder eine Idee von Wahrheit. Die Wahrheit sind die Gesten, die Berührung, die Erfahrung der Körper, dem Kopf Platz geben auf einer anderen Schulter.

Das Detail und die Totale, die Ausschnitte lassen sich verorten, wir können nah und fern zugleich sein, die Welten erzählen sich in ihrer Offenheit, gleich könnte es losgehen, oder vielleicht weiter. Verweilen (?), wenn dann nur für einen, diesen Blick, den Augenblick, um dann weiterzuziehen, die Gefilde des Gegenübers weiter zu erforschen, die (letzte) Reise anzutreten, ein Woanders erkunden, und sich zu fragen, wo man eigentlich hergekommen ist. Wo kommen wir überhaupt her?

Die Kulissen sind echt, der Rhododendron (verweile doch), die auf Sand geborenen Kiefern, ein Rücken als Tableau, dich noch einmal von hinten sehen, wie du in das Wasser rennst, der gekippte See, ein Ozean für einen Nachmittag, der Moment im Hintergrund, die Zeit ist auch Kulisse, die Chimäre einer stillen Zusammenkunft, einer letzten Umarmung, eines Kusses am Morgen. In den Anfängen der Fotografie wurden die Apparaturen den Uhren gleichgestellt, jedenfalls was ihre Herstellung angeht, der Fotoapparat als Chronometer, Fotografien als Hilfsmittel, die Zeit zu verstehen, die Zeit, die Zeitlichkeit, und die Möglichkeit von Zeit-Reisen. Wir reisen mit den Bildern, mit den Welten, die sich auf ihnen entfalten, schemenhaft die Innenräume, ein Berlin der leisen Töne, das Vertraute, gestochen scharf die Weite Kasachstans, eine Welle, die bricht, eine Assemblage von großen Gefühlen.

Das Wort Kitsch wird zuweilen abwertend verwendet, dabei sind doch die Momente, die uns kitschig erscheinen, in ihrer Schamhaftigkeit und ihrer Aufforderung zur Gefühlsregung wie ein uralter Zauber, die Magie eines gemeinsamen Ursprungs. Ich bin gerührt, die Schlichtheit einer Geste berührt mich, ein Lichtschein, die schnelle Brille auf dem Gesicht, das ich nicht vergessen möchte, die Schönheit des dreckigen Parks, die Emailleschale am Spülbecken, die Kette an deinem Hals. Es erinnert mich, es lässt mich fühlen, es lässt mich die Dinge verstehen, und die Dinge, das bin ich. Was kann das Foto, wenn nicht uns die Möglichkeit geben, uns zu erkennen, und das Gefüge, das wir Gegenwart nennen.
Diese blöde Gegenwart, in der wir hier irgendwie zusammen gefangen sind.*

Lukas reist mit uns, und er benutzt die Orte und Menschen, eben nicht als Kulisse oder Mimen, er findet genau den richtigen Grad zwischen dem Als-ob und dem So-ist-es-gewesen. Mal nah, aus gebührendem Abstand, dann weit, aber trotzdem nah genug, einen Überblick gebend, ohne drüber hinwegzublicken. (Ich liebe die Inszenierung in ihrer vermeidlichen Purheit und das Pure in seiner unvermeidbaren Inszenierung.) Die Bühne ist markiert, die Parameter der Inszenierung auch, unsere Akteur*innen können sich jedoch trotzdem frei bewegen, sie folgen einem Skript, das zum Spielen einlädt, vielleicht weil man um die Enden genauso wie um die Anfänge weiß.

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Und was kommt nach den Enden? Jeder Epilog ist die Möglichkeit eines neuen Anfangs, die Endlichkeit des Augenblicks, das Versprechen auf einen Neubeginn, die sich öffnenden Augen einer Ouvertüre, der erste Augenaufschlag, das erste Licht nach der Dunkelheit, ein Morgen, ein Danach, ein Weiter, ein Verweile-doch, dich durch die Linse betrachten, dich festhalten wollen, (ein Nicht-Alleine-Sein,) die Apparatur zwischen mir und dir. Den Epilog haben Sie gerade gelesen, beginnen Sie nun mit der Ouvertüre.

* Lady Tartuffe / StuhlerKoslowski

Jan Koslowski, geboren 1987 in Rostock, aufgewachsen in Berlin, ist Regisseur, Autor und Schauspieler. Er studierte Theaterregie an der Akademie für Darstellende Kunst Baden-Württemberg und der Zürcher Hochschule der Künste und Theologie an der Humboldt-Universität zu Berlin. Koslowskis Arbeit als Regisseur führte ihn u. a. an das Schauspiel Frankfurt, das Hessische Staatstheater Wiesbaden, das Schauspielhaus Graz, das Württembergische Staatstheater Stuttgart und die Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin. Als Schauspieler ist er regelmäßig auf der Bühne und vor der Kamera tätig, so zuletzt in Bäckerei Harmonys „Stechen und Sterben“ an der Volksbühne und in dem Kurzfilm „Platform“ von Steffen Köhn und Johannes Büttner. Zusammen mit Nele Stuhler arbeitet er seit 2011 als Autor*innen-, Theater- und Performancekollektiv „Stuhler / Koslowski“ und „Laien des Alltags“, in diesem Kontext entstanden in der Spielzeit 22/23 die Arbeiten „Pension Schöllerin“ am Volkstheater München sowie „Der kleine Snack“ am Schauspiel Frankfurt. Letztere wurde auch zu den Autor:innentheatertagen am Deutschen Theater Berlin eingeladen. 2020 erschien beim Korbinian Verlag Koslowskis Prosadebüt „Rabauken“. Koslowski lebt und arbeitet in Marseille und Berlin.