Simon Mullan

chronos

28.03.2025 – 19.04.2025

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DITTRICH & SCHLECHTRIEM is pleased to present chronos, a solo exhibition by SIMON MULLAN, opening on Friday, March 28, 2025, 6–8 PM, and on view through April 19, 2025.

In chronos, Mullan excavates his artistic archive, re-presenting and re-mixing a large-scale video installation in the main gallery. Twenty-five screens and monitors form an immersive landscape, inviting viewers to navigate through time—reconstructing the artist’s past through fragmented moving images. This never-before-seen collection of video works, recorded on MiniDV between 2004 and 2014, captures raw moments from Mullan’s formative years.

The installation reveals a provocative narrative, pushing the boundaries of personal and political storytelling. Mullan’s lens turns toward people—depicting his early performances in Stockholm, his work with refugees in Vienna, and his engagement with individuals with special needs, all while shaping his artistic identity. These moments are presented unsynchronized, unfolding in a shifting loop. Each viewer encounters a unique sequence, challenging linear storytelling and expanding cinematic experience.

With chronos, Mullan invites a reconsideration of memory, history, and artistic evolution, offering a personal yet universal reflection on the passage of time. The exhibition provides insight into the artist’s journey—his struggles, experiments, and revelations.

Accompanying the installation is an original soundscape by Ed Davenport, created in collaboration with Mullan, adding to the sensory impact of the work. The sound syncs and abstracts time when paired with the images, reinforcing the exhibition’s interplay between past and present.

An essay on the exhibition by Anna Catharina Gebbers, Curator at Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, will be available on our website prior to the opening and at the gallery in both German and English.

Mullan’s practice includes painting, sculpture, and installation, though video and performance remain central to his work following his training in trans-media art at the University of Applied Art Vienna and the Royal Institute of Art, Stockholm. Through his observations of and participation in various subcultures, documentation, and the reuse of loaded, branded, or adopted ready-made materials, he suggests that abstraction originates in the commonplace. This is Mullan’s first major video survey, with his video and performance practice running parallel to his sculptural work, including Monument to the Common (2016), Popularis (Tresen) (2020–2022), a room installation at Haubrok Foundation, and a permanent wall installation at Berghain in 2021 for STUDIO BERLIN, organized by the Boros Foundation.

For further information on the artist and the works or to request images, please contact Owen Clements at owen(at)dittrich-schlechtriem.com.

DITTRICH & SCHLECHTRIEM freut sich, eine Einzelausstellung von SIMON MULLAN mit dem Titel chronos vorzustellen, die am Freitag, 28. März 2025, 18–20 Uhr eröffnet und bis zum 19. April 2925 zu sehen ist.

Für chronos hat Mullan in der Tiefe seines künstlerischen Archivs gegraben und präsentiert im Hauptraum der Galerie eine großformatige Videoinstallation in remixter Form neu. 25 Bildschirme und Monitore bilden eine begehbare Szenerie, in der die Besucher*innen durch die Zeit reisen können, um die Vergangenheit des Künstlers anhand fragmentierter Bewegtbilder nachzuvollziehen. Die bisher nie gezeigte Sammlung von Videos, die zwischen 2004 und 2014 auf MiniDV aufgenommen wurden, fängt unverstellte Augenblicke aus Mullans prägenden Jahren ein.

Die Installation legt eine herausfordernde Geschichte offen, die an die Grenzen des privaten wie politischen Erzählens geht. Mullan richtet sein Objektiv auf Menschen und zeigt frühe Performances in Stockholm, seine Arbeit mit Geflüchteten in Wien und sein Engagement für Menschen mit besonderen Bedürfnissen, während er zugleich seine künstlerische Identität konturiert. Diese Augenblicke erscheinen asynchron und entfalten sich in einer wandernden Dauerschleife. Jede*r Zuschauer*in trifft auf eine einzigartige Sequenz, die das lineare Erzählen in Frage stellt und Film neu erleben lässt.

Mit chronos lädt Mullan dazu ein, neu über Erinnerung, Geschichte und künstlerische Entwicklung nachzudenken, und bietet eine persönliche und zugleich allgemeingültige Reflexion auf das Vergehen der Zeit dar. Die Ausstellung gewährt Einblicke in den Lebensweg des Künstlers – seine Auseinandersetzungen, Experimente und Offenbarungen.

Begleitet wird die Ausstellung von einer ihre sinnliche Wirkung steigernden Klanglandschaft, die Ed Davenport eigens für den Anlass in Zusammenarbeit mit Mullan geschaffen hat. Die Klänge synchronisieren und abstrahieren in Verbindung mit den Bildern Zeit und unterstreichen das Wechselspiel zwischen Vergangenheit und Gegenwart in der Schau.

Ein Essay zur Ausstellung von Anna Catharina Gebbers, Kuratorin am Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, wird rechtzeitig zur Eröffnung in deutscher und englischer Sprache auf unserer Webseite erscheinen und in der Galerie ausliegen.

Mullans Praxis umfasst Malerei, Skulptur und Installationskunst; Video und Performance, die Medien, in denen er im Studiengang transmediale Kunst an der Universität für angewandte Kunst Wien und an der Königlichen Kunsthochschule in Stockholm ausgebildet wurde, bleiben für sein Werk zentral. Durch Beobachtung von und Teilnahme an diversen Subkulturen, Dokumentation und die Wiederverwendung von belasteten, mit Marken assoziierten oder angeeigneten Readymade-Materialien verweist er darauf, wie Abstraktion aus dem Alltäglichen entspringt. chronos ist die erste größere Ausstellung, die eigens Mullans Werk auf Video gewidmet ist, das zusammen mit seinen Performances einen parallelen Strang neben skulpturalen Arbeiten wie Monument to the Common (2016), Popularis (Tresen) (2020–2022), einer Rauminstallation in der Haubrok Foundation und einer permanenten Wandinstallation im Berghain (2021) für die von der Boros Foundation organisierte Schau STUDIO BERLIN bildet.

Für nähere Informationen zum Künstler und den Werken oder um Bildmaterial anzufordern, wenden Sie sich bitte an Owen Clements, owen(at)dittrich-schlechtriem.com.

Exhibition view, Simon Mullan, chronos, 2025, DITTRICH & SCHLECHTRIEM, Berlin

essay

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CHRONOS

By ANNA-CATHARINA GEBBERS

It was Pier Paolo Pasolini who called film an explosion of his love of reality. Simon Mullan’s selection of twenty-nine works on video conveys how explosive his love of reality is. Felt throughout the show is the drumbeat of Chronos, the eponymous creator god born of dark chaos, who fires up this detonation.

An unconditional labor of loving and living in the now that categorically springs afresh time and again from this chaos—that is how Mullan unfurls the years between 2004 and 2014 in his film installation: ecstatic years filled with techno parties that made him the artist he is, but also the years during which he mentored people with disabilities and refugees and a period of defining social and political developments. Meanwhile, chronos is Mullan’s aesthetic homage to the standard digital video format MiniDV, which represents a specific era in the history of consumer video technology that came to an end around 2010, when smartphones came on the market and social network use mushroomed.

So this video aesthetic carries a symbolic charge, just like the bomber jackets adopted by techno and youth culture or like the overalls and tiles from the world of workmen and laborers that Mullan transposes into the abstract portraits of materials that put him on the map. Still, bomber jackets, construction supplies, techno, and MiniDV are not semiotic markers in Mullan’s art—rather, they are the symbolic elements of a period similar to those used by filmmakers like Pasolini and Christoph Schlingensief to create subversive spaces. As an organic intellectual, Mullan himself is involved in the events and subcultures reflected in his works: informed by the philosophy of his time and social critique, his practice is always also a reflection on his own identity.

chronos bears remarkable witness to this genesis of the artist’s self: life, it turns out, is not a long quiet river but a cacophony of images, sounds, and emotions. Sixteen flat-screen displays are installed on the walls of the exhibition space at regular intervals like pictures at a gallery; nine stackable monitors are set up as towers, sculptural elements of a sort, on the floor; sound is heard from all directions. Ed Davenport has written a score for this film deconstructed into a nonlinear acoustic and visual landscape, an added layer of sound that acts as a kind of ether. Few of the films come with subtitles: a pointer that they merit listening more closely.

The images, the cinematography, the clips demarcate a spectrum no diverse than the soundtrack. The camera is rarely at rest, a handheld lens pushing its way through crowds, capturing the world from unwonted angles, or remaining static to document an interlocutor. The framing alternates between stabs at depth—thwarted, needless to say, by the MiniDV format and a cramped flatness—ditto. The images decidedly do not hew to a Hollywood or minimalist aesthetic; they are aware of questions of form yet also tentative. As for formal influences, an Schlingensief’s films come to mind, the immersion in milieus that Pasolini learned from Antonio Gramsci, but also the peculiar blend of tenderness and aggression in Rainer Werner Fassbinder’s work or the long rigid shots, the hard cuts, the clinical eye of Ulrich Seidl’s films. The plotlines that the material hints at are both realistic and exemplary. The films do not offer us obvious psychological explanations or societal solutions for the characters that appear and their conflicts. They epitomize the pictorial turn: a thinking in images.

The arsenal is enhanced by Mullan’s wide-ranging experiences during those years: his studies in Brigitte Kowanz’s class for experimental transmedia visual and installation art at the University of Applied Arts Vienna between 2001 and 2007, his stint as a postgraduate project student in the video art division at the Royal University College of Fine Art Stockholm in 2008 2009, his efforts to support asylum seekers at a shelter, his initiative Future Generation for unaccompanied underage refugees, and his work assisting people with disabilities in a residential community in Vienna between 2003 and 2008.

Mullan’s films from the refugee shelter coolly render the drab setting and the racist graffiti lining the streets of Vienna and let the asylum applicants from Chechnya, Nigeria, Afghanistan speak for themselves as an interview with George W. Bush justifying the war in Afghanistan plays on a TV screen in the background. A poignant adaptation of Euronews’s No Comment television format.

Andreas is among those with whom he strikes up a friendship that has lasted. Mullan shows him getting a haircut at the residential community where he lives with other people with disabilities, or in a car, making a Fiction Phone Call to an imaginary girlfriend. Three stacked monitors portray him playing various instruments.

Mullan’s awestruck camera shadows fellow artist Christian Eisenberg as he hammers portraits into car doors, detonates canvases, and portrays the admiring filmmaker in turn through a glass pane. Art history comes knocking in this reference to the famous footage of Picasso shot through a glass pane onto which the artist paints a bull.

Bimba is Eisenberg’s female counterpart: Mullan dedicates a three-part portrait to the extreme athlete, with images of her participating in a Formula 2 powerboat race playing on a tower of three Hantarex monitors.

The fitness coach Wiktor becomes Mullan’s alter ego of those years: dressed in a yellow bomber jacket, he arrives at the gym and starts working out at the pole-dancing pole, gets sweaty and sheds one piece of apparel after another,revealing more and more of his toned body.

In Virlani, Mullan portrays his colleague and cofounder of the alternative space Bastard Gallery, which the two ran in Stockholm for five years.

Other films document Mullan’s performances, for which he repeatedly recruited protagonists from outside the art world, presenting facets of the excruciating work on his art in visual extracts. In Continuous Power, for instance, a competition between car stereo systems over which can produce the most decibels becomes a parable for the existence of an artist continually pushing the limits of what a body can bear.

Motorrad illustrates that this is always also about the quest for a male identity: me—machine environment. Nothing and no one is harder, louder, more unpleasant than myself. More abstract images traverse the narrative register of the documentary footage: Zug is recognizably the fruit of a seminar taught by Harun Farocki, a tribute to D. W. Griffith and the Lumière brothers. Mullan’s celebration of blurring or the video format’s line interlacing, as in Fireworks, Lichter, or Enjambement, brings Kenneth Anger’s baroque and ecstatic imagery to my mind.

Unmistakable hat tips to art history can be spotted in films like Hase, where Mullan chases after a jackrabbit in the streets of Stockholm rather than explain the pictures to it. Or the tube TV set flashing up, Name June Paik-style, in TV Cut.

Time and again, the now-time captured in Simon Mullan’s pictures lets the viewer sense the moment alive with revolutionary potential. Standing apart from the continuous flow of history, it is at once a tiger’s leap into the past: as Walter Benjamin argued, the now-time is a vast accumulation of human history in its entirety. A now-time that we feel in our unconditional bodies driven by techno beats and that jolts us out of the ennui and mental vacuity of the consumerist society.

ANNA-CATHARINA GEBBERS was born in Hamburg and lives in Berlin, where she is a curator at Hamburger Bahnhof—Nationalgalerie der Gegenwart. She has curated solo exhibitions by Anne Imhof, Julian Rosefeldt, Christoph Schlingensief, and others—a show by Klára Hosnedlová is scheduled to open in a few weeks—as well as group exhibitions featuring artists including Korakrit Arunanondchai, Cao Fei, Lu Yang, Ho Tzu Nyen, Sung Tieu, Ming Wong, Apichatpong Weerasethakul, and Zhang Peili. One focus of her work is on translocal collaboratively curated projects, including multiyear research and exhibition projects with artists and curators from China, Indonesia, Japan, Singapore, Thailand, and Vietnam.

CHRONOS

Von ANNA-CATHARINA GEBBERS

Es war Pier Paolo Pasolini, der den Film als eine Explosion seiner Liebe für die Realität
bezeichnete. Wie explosiv die Liebe von Simon Mullan zur Realität ist, lässt er in 29 ausgewählten Videoarbeiten erahnen. Chronos, der aus dem dunklen Chaos entstandene Schöpfergott, feuert als titelgebender Taktmacher diese Detonation an.

Als kategorisch immer wieder neu aus diesem Chaos aufsteigendes unbedingtes Lieben und Leben in der Jetztzeit breitet Mullan die Jahre 2004 bis 2014 in seiner filmischen Installation aus: Jahre seines rauschhaften, von durch Techno-Partys durchzogenen Künstler-Werdens, zugleich die Jahre seiner Arbeit als Behinderten- und Flüchtlingsbetreuer und Jahre prägnanter gesellschaftlich-politischer Entwicklungen. Und noch dazu ist chronos Mullans ästhetische Hommage an das Standard-Digitalvideo-Format MiniDV, das für eine bestimmte Ära von Consumer-Videotechnik steht, die um 2010 mit der Einführung von Smartphones und der eskalierenden Nutzung von sozialen Netzwerken zu Ende ging.

Diese Videoästhetik ist also symbolisch aufgeladen, genauso wie die Bomberjacken aus der Techno- und Jugendkultur oder wie die Blaumänner und Kacheln aus der Handwerks- und Arbeiterwelt, die Mullan in seine abstrakten Material-Porträts überträgt und die ihn bekannt gemacht haben. Trotzdem sind Bomberjacken, Handwerkermaterialien, Techno und MiniDV keine semiotischen Marker ins Mullans Werk – sie entsprechen vielmehr den von Filmemachern wie Pasolini und Christoph Schlingensief ver-wendeten symbolischen Elementen einer Zeit, um subversive Räume zu schaffen. Mullan ist dabei als organischer Intellektueller selbst Teil der sich in seinen Werken widerspiegelnden Ereignisse und Subkulturen: Seine von Zeitphilosophie und Gesellschaftskritik geprägte Praxis ist stets auch eine Reflexion der eigenen Identität.

chronos gibt über diese Ich-Werdung als Künstlerein bemerkenswertes Zeugnis: Das Leben ist eben kein langer, ruhiger Fluss, sondern eine Kakophonie aus Bildern, Sounds und Emotionen. Sechzehn Flachbildschirme sind wie in einer Gemäldegalerie in regelmäßigen Abständen an den Wänden des Ausstellungsraums installiert, neun Stapelmonitore verteilen sich skulptural als Türme über die Bodenfläche, Sound kommt aus allen Richtungen. Ed Davenport hat für diesen in eine nichtlineare Ton- und Bildlandschaft de-konstruierten Film einen Score geschrieben, der als eine weitere Klangschicht eine Art Äther bildet. Einige wenige Filme sind mit Untertiteln versehen: ein Hinweis darauf, hier genauer hinzuhören.

Die Bilder, die Kameraführung, die Ausschnitte breiten ein so diverses Spektrum aus wie der Sound. Die Kamera steht selten still, kämpft sich handgehalten durch Menschenmengen, fängt die Welt aus ungewohnten Winkeln ein oder dokumentiert statisch ein Gegenüber. Die Bildeinstellungen oszillieren zwischen Tiefe – was natürlich am MiniDV-Format scheitert – und Flachheit und Enge – dito. Die Bilder folgen so ganz und gar nicht einer Hollywood- oder Minimal-Ästhetik, sie sind formbewusst, aber zugleich suchend. Formal ist das vielleicht eher an einer Ästhetik der Gewalt wie in den Filmen von Michael Haneke geschult. Schmerzend, provozierend, moralisch brisant. Man denkt wieder an die entfesselten Filmbilder von Schlingensief, an das an Antonio Gramsci orientierte Eintauchen in Milieus bei Pasolini, aber auch an die sonderbare Mischung aus Zärtlichkeit und Aggressivität von Rainer Werner Fassbinder und die langen, starren Einstellungen, harten Schnitte, die Distanz von Ulrich Seidls Filmen. Die sich andeutenden Geschichten sind sowohl realistisch als auch modellhaft. Wir bekommen keine offensichtlichen psychologischen Erklärungen und keine gesellschaftlichen Lösungen für die dargestellten Figuren und deren Konflikte geboten. Ganz Pictorial Turn: ein bildhaftes Denken.

Ins Instrumentarium fließt Mullans reichhaltige Erfahrung der Jahre ein: das Studium in der Klasse für experimentelle medienübergreifende Bild- und Raumgestaltung bei Brigitte Kowanz an der Universität für angewandte Kunst zwischen 2001 und 2007, die Zeit als postgraduierter Projekt-Student im Bereich Video Art an der Königliche

Universität für bildende Kunst Stockholm zwischen 2008 und 2009, seine Arbeit mit Asylsuchenden am Kolpinghaus, seine Initiative Future Generation für minderjährige unbegleitete Geflüchtete und seine Tätigkeit als Betreuer in einer WG von Menschen mit Behinderung in Wien zwischen 2003 und 2008.

Mullans Filme aus dem Kolpinghaus bilden kühl die Tristesse der Geflüchteten-Unterkunft und die von rassistischen Graffiti gesäumten Straßen Wiens ab, lassen die Asylsuchenden aus Tschetschenien, Nigeria, Afghanistan zu Wort kommen, während im Hintergrund George W. Bush in einem Fernsehinterview den Krieg in Afghanistan rechtfertigt. Eine schmerzhafte Übertragung des aus Euronews bekannten No-Comment-Fernsehformats.

Mit Andreas verbindet ihn eine bis heute währende Freundschaft. Mullan zeigt ihn beim Haareschneiden in der WG, in der er mit anderen Menschen mit Behinderung lebt, oder auf einer Autofahrt beim Fiction Phone Call mit einer fiktiven Freundin. Drei Stapelmonitore porträ-tieren ihn beim Spielen verschiedener Instrumente.

Ehrfürchtig folgt Mullan mit seiner Kamera dem Künstlerkollegen Christian Eisenberg, der Porträts in Autotüren hämmert, Leinwände deto-nieren lässt und Mullan durch eine Glasscheibe hindurch bei eben jenem ehrfürchtigen Filmen porträtiert. Die Kunstgeschichte winkt hier als Referenz an die berühmten Filmaufnahmen von Picasso beim Malen eines Stiers auf einer Glas-scheibe und durch eben diese hindurch aufgenommen.

Bimba ist Eisenbergs weibliches Gegenüber: Mullan widmet der Extremsportlerin auf einem Turm aus drei Hantarex-Monitoren ein dreiteiliges Porträt beim Formel-2-Powerboat-Racen. Der Fitness-Trainer Wiktor wird zu Mullans Alter Ego dieser Jahre: In gelber Bomberjacke agiert er in seinem Trainingsraum an der Pole-Dance-Stange, verliert aufgeheizt vom Training nach und nach seine Kleidungsstücke und offenbart so immer mehr seinen durchtrainierten Körper.v

In Virlani porträtiert Mullan seine Mitgründerin des Off-Space Bastard Gallery, den die beiden fünf Jahre lang in Stockholm betrieben. Andere Filme sind Dokumentationen von Performances, für die Mullan immer wieder Protagonisten von außerhalb der Kunstwelt gewinnen konnte, um damit bildhaft Facetten der schmerzhaften künstlerischen Arbeit zu extrahieren. So wird in Continuous Power ein Auto-Soundsystem-Wettbewerb um den höchsten zu erreichenden Dezibel-Wert zum Gleichnis für eine Künstlerexistenz, die immer wieder an die physischen Grenzen geht.

Motorrad zeigt, dass es hier auch immer um eine männliche Identitätssuche geht: Ich-Maschine-Umwelt. Härter, lauter, unangenehmer als ich geht nicht.

Abstraktere Bilder durchqueren die Narrativität der Dokumentarbilder: Zug ist sichtbar das Resultat eines Seminars bei Harun Farocki, eine Hommage an D. W. Griffith und die Gebrüder Lumière. Mullans Feier der Unschärfe oder der Zeilensprünge des Videoformats wie Fireworks, Lichter oder Enjambement lassen mich an die barocken, ekstatischen Bilder von Kenneth Anger denken.

Deutliche kunsthistorische Reverenzen erweisen Filme wie Hase, in dem Mullan einem Hasen in den Straßen von Stockholm hinterherrennt, statt ihm die Bilder zu erklären. Oder die Nam-June-Paik-artig aufblitzende Bildröhre in TV Cut.

Die Jetztzeit in Simon Mullans Bildern lässt immer wieder den Moment spüren, der mit revolutionärem Potenzial aufgeladen ist, herausgelöst aus dem kontinuierlichen Fluss der Geschichte und gleichzeitig ein Tigersprung in die Ver-gangenheit: Wie von Walter Benjamin be-schrieben ist die Jetztzeit eine ungeheure Zusammenfassung der ganzen Menschheitsgeschichte. Eine Jetztzeit, die unsere bedingungslosen, von Techno-Beats getriebenen Körper erspüren, und die uns aus dem Ennui und der mentalen Leere der Konsumgesellschaft herauskatapultiert.

ANNA-CATHARINA GEBBERS ist in Hamburg geboren, lebt in Berlin und ist Kuratorin am
Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. Sie kuratierte u.a. Einzelausstel-lungen von Anne Imhof, Julian Rosefeldt, Christoph Schlingensief und demnächst Klára Hosnedlová sowie Gruppenausstellungen mit Künstler*innen wie Korakrit Arunanondchai, Cao Fei, Lu Yang, Ho Tzu Nyen, Sung Tieu, Ming Wong, Apichatpong Weerasethakul und Zhang Peili. Ein Schwerpunkt ihrer Arbeit liegt auf transl-okalen kollaborativ kuratierten Projekten, darunter über mehrere Jahre laufende Forschungs- und Ausstel-lungsprojekte mit Künstler*innen und Kurator*innen aus China, Indonesien, Japan, Singapur, Thailand und Vietnam.