Christian Hoosen

„Unikate in Serie“ steht an der Einfahrt zu den HB-Werkstätten im brandenburgischen Marwitz. Bis heute wird hier das Lebenswerk von Hedwig Bollhagen (1907-2001) fortgeführt, von Kennern gefeiert als eine der bedeutendsten Keramikerinnen der Welt. Gebrauchskeramik in handwerklicher Perfektion, geboren aus einem Anspruch, wie er von der Arts-and-Crafts-Bewegung bis zum Bauhaus formuliert wurde: Nichts gegen Massenware, aber schön soll sie sein. Das Wirken der menschlichen Hand, hier wird es gefeiert, jedes Objekt durch feinste Unregelmäßigkeiten in Farbton oder Musterführung in den Stand eines Unikats versetzt und dabei doch jede Vase, jeder Teller nach Bollhagen-Entwürfen strikt originalgetreu produziert. Wobei – seit Christian Hoosen hier seine Zelte aufgeschlagen hat, stimmt das nicht mehr ganz.

Ihren Anfang nahm die Sache, als der Künstler anfragte, ob er in den Öfen der Werkstätten einmal etwas brennen dürfe. Das ist weit über ein Jahr her, und mittlerweile ist er fast täglich da, hat seine Arbeit mit den Produktionsabläufen synchronisiert (nicht einfach für jemanden, der es gewohnt ist, spontan und intuitiv zu arbeiten anstatt in geordneten Strukturen) und arbeitet genau wie die Manufakturangestellten mit den Entwürfen aus dem Bollhagen-Formenrepertoire – nur dass sie eben nur noch entfernt bis gar nicht mehr nach Bollhagen aussehen, wenn sie von ihm gedreht, gegossen, gebrannt oder glasiert werden. Was seine Rolle ist, keiner weiß es so genau, und es ist auch egal, das Unbestimmte ist Teil des Arrangements. Hoosen selbst bezeichnet sich als Hausgeist, natürlich der guten Sorte, und man muss schon ein sehr guter Geist sein, wenn einem die Belegschaft das intendierte Loch im Unterboden der Teekanne, das gegen alle Regeln verstoßende Zusammenfügen unterschiedlicher Formen oder das Ritzen von entschieden außerhalb des Dekorkanons befindlichen Motiven durchgehen lässt. Man wüsste allerdings gern, was wohl die Urheberin der derart appropriierten Formen selbst dazu gesagt hätte, die als Keramikerin auch postum als so bedeutend gilt, dass Bundeskanzlerin Angela Merkel ein Vorwort für den Katalog zu ihrer Retrospektive schrieb, aber ein ambivalentes Verhältnis zu ihrer Rolle als Kunsthandwerkerin gehabt zu haben scheint: An der Kunstakademie in Kassel, die sie nur für kurze Zeit besuchte, kam sie sich mangels künstlerischen Eigenantriebs verloren vor, kritisierte dann aber ihre Ausbildungsstätte, die Keramische Fachschule Westerwald, als „in den sogenannten ‚künstlerischen‘ Fächern wie Modellieren und Malen derart indiskutabel, dass man sich so wenig wie nur irgend möglich in diesen wirklich verderblichen Klassen aufhielt“. Eine Weile arbeitete sie in einem Werk in Rosenthal, „wo wenig erfreuliche Dinge produziert wurden“, während ihre eigenen Objekte natürlich großartig waren, das wusste sie selbst am besten, aber wenn man ihr künstlerisches Talent lobte, entgegnete sie, „ach, das sind doch bloß Töppe“. Das Dilemma, in dem sich Bollhagen offenbar befand, gilt bis heute: Kunst und Handwerk, das ist wie Öl und Wasser. Kunst ist nur, was zweckfrei ist, und Handwerk ist unvereinbar mit künstlerischer Freiheit.

Die Kunst fühlt sich dem Handwerk überlegen, weil sie die Idee über die Ausführung und den attribuierten Wert über den materiellen stellt, aber Fakt ist, als Künstler ist man nicht gerade hoch angesehen in Handwerk und produzierendem Gewerbe. „Künstler“ nennen kann sich schließlich jeder, aber Keramiker ist man nur nach entsprechender Ausbildung. In den HB-Werkstätten jedenfalls musste Hoosen erst zum Handwerker werden, um in der Folge auch als Künstler geschätzt zu werden: Arbeitsprozesse beobachten, Techniken erlernen und vor allem beweisen, dass er Respekt hat für die Arbeit der Handwerker, um nicht respektlos zu erscheinen, wenn er daraus Kunst macht. Dass er für diese Kunst nicht deren Meisterstücke, sondern Ausschussware verwendet, macht die Sache übrigens nicht einfacher. Im Gegenteil, dieser Ausschuss beweist nur, wie hoch die Qualitätsstandards sind (manchen der aussortierten Vasen, Teller oder Gießkannen sieht man als Laie überhaupt nicht an, was mit ihnen nicht stimmen soll), ist also kein Abfall, sondern Ausweis von Wertigkeit.

Kein Wunder, dass sich die in diesem Wertesystem entstehende Kunst größtenteils mit dem Auf- und Abwertung von Bewertungskriterien beschäftigt. Nicht, dass Hoosen sich nicht schon vorher damit auseinandergesetzt hätte, tatsächlich könnte man sagen, dass sich sein ganzes Schaffen um nichts anderes dreht, aber nicht immer so explizit wie hier, und das hat möglicherweise auch etwas mit dem Werkstoff selbst zu tun. Lange in der Bastelecke des Kunsthandwerks verortet, erlebt Keramik zwar seit einigen Jahren eine wachsende Zuneigung von Seiten der Hochkunst, manifestiert sich dort allerdings häufig auf eine Weise, die weder in der Idee noch in der Ausführung große Ambitionen zeigt, was sie zu einem ambivalenten Medium für Künstler macht, die gute und eindeutig als solche identifizierbare Kunst abliefern wollen. Aber was ist das schon, „gute“ Kunst? Beziehungsweise, wieviel Kunst geht im Kunstbetrieb unter „gut“ durch, obwohl sie höchstens zweitklassig ist, „B-Ware“ eben?
Wahrscheinlich darf man sich als Künstler solche Fragen nicht stellen, wenn man nicht wahnsinnig werden will. Oder man macht es wie Christian Hoosen, der sich mit der Wahl des Ausstellungstitels „B-Ware“ in ironische Distanz zu seinem Schaffen begibt, sich damit allerdings gleichzeitig den Druck macht, A-Ware abliefern zu müssen, weil das Publikum berechtigterweise davon ausgeht, dass keine Galerie so blöd ist, den Leuten ernsthaft zweitklassige Kunstware anzubieten und das dann auch noch offen zu kommunizieren. Tatsächlich ist Hoosens B-Ware sogar noch hochwertiger geraten als A-Ware, denn intendierte Fehler einzubauen ist viel schwieriger als einfach nur etwas richtig zu machen. Man weiß ja, „When too perfect lieber Gott böse“, nicht weil Gott der einzige ist, der als perfekt gelten darf, sondern weil Perfektion zu einfach ist, zu korrekt und langweilig. Hoosens B-Ware jedenfalls ist allererster Klasse, und deshalb ist es nur gerechtfertigt, wenn sich der Künstler vorstellt, wie die Betrachter in seiner Ausstellung „ehrfürchtig vor der B-Ware“ stehen, um dann für „2. Wahl, doppelter Preis“ zu zahlen, wie auf einem Teller steht. Oder sich Gedanken darüber zu machen, warum jemand einen ersten Preis für einen letzten Platz bekommen sollte, wie es einer der in der Ausstellung gezeigten Pokale („Letzter Platz“, 2022) vorschlägt, denn Letzter zu sein, das qualifiziert ja nicht mal mehr für C-Ware. Allerdings sind Klassifizierungen bei Menschen anders als bei Industrieprodukten in den seltensten Fällen eine Frage von objektiver Messbarkeit (selbst im Sport wird manipuliert) und oft eine Frage der Perspektive. Wie bei Friedrich dem Großen zum Beispiel, der von seinem Vater für „effeminiert“ gehalten wurde, als so hässlich galt, dass Portraitmaler ihre Not mit ihm hatten, lieber Querflöte spielte als zu regieren – und als glorreicher Herrscher in die Geschichte einging. Die zersprungene und aus Restauratorensicht irreparable Gipsform einer Friedrich-Büste (von Wolfgang Kronsbein gen. Kranichbein 1925 für die Porzellanmanufaktur Meissen gestaltet), hat Hoosen nach eigenem Gutdünken rekonstruiert und mit der davon genommenen Gussform aus dem eh schon altersmüden Antlitz eine Fratze gemacht, die sich in einer fortlaufenden Serie von Büsten unendlich weiter verunstalten lässt. Oder verschönern, je nachdem wie man es sieht: als respektlosen Umgang mit einem gekrönten Haupt oder als Anerkennung der Kraft, die eine Existenz außerhalb vorgegebener Werte und Normen kostet. Wer nach der Norm strebt und sie nicht erreicht, ist einfach nur B-Ware, aber wer sich bewusst abseits der Norm positioniert, ohne Anspruch auf Akzeptanz für das eigene Anderssein, entzieht sich jeder Bewertungsmöglichkeit. Das irritiert, macht angreifbar, möglicherweise auch einsam, aber es sorgt auch dafür, dass bestehende Werte hinterfragt und neue geschaffen werden. Denn nichts ist langweiliger als ein System, in dem alles immer nach den gleichen Akzeptanzwerten strebt. Das gilt für die Gesellschaft wie für die Kunst.

Annika von Taube ist Markenstrategin und Publizistin. Sie betreut die Integration von Kunst in kommerziellen Umfeldern, entwickelt Konzepte zur Kunstvermittlung mit einem Fokus auf Live-Talk-Formate und beschäftigt sich mit den Auswirkungen von Digitalisierung und neuen Technologien auf die Produktion und Distribution von Kunst und sonstigen nichtmateriellen Werten, u.a. als Autorin der Kunstmarkt-Kolumne „Click & Collect“ für das Magazin Monopol.