Ál Varo Tavares D’Guilherme

Love Sex Dreams, was für eine Verheißung. Wer mag das nicht alles im Überfluss haben – Liebe, Sex und dazu noch Träume?  Die Pornofilme und Sexspielzeuge im Schaufenster des Erotikkaufhauses LSD an der Potsdamer Straße Ecke Kurfürstenstraße könnten Hilfsmittel auf dem Weg zu diesem Ziel sein, sind aber wohl eher Ersatzlösungen. Unweit vom LSD, dem in die Jahre gekommenen Sexkaufhaus und Berlins bekanntestem Straßenstrich residieren heute international erfolgreiche Galerien, coole Restaurants und Luxusmodegeschäfte. Die Ecke Kurfürstenstraße/Potsdamer Straße ist einer der neuralgischen Punkte Berlins, ein sozialer Solarplexus, an dem Aufstieg und Absturz sich schneiden. Es kann eigentlich gar keinen besseren Ort für einen urbanen Maler geben, denkt man, als sich der automatische Schiebetür-Schlund des LSD öffnet. Heraus tritt ein schlanker Mann mit schwarzer Sturmmaske, schwarzem Rollkragenpullober und schwarzen Stoffhosen, an denen ein Karabinerhaken mit Schlüsseln baumelt.

Er möchte nicht erkannt werden, erklärt der gerade 31 jährige Künstler Ál Varo Tavares Guilherme und reicht mir die Hand. Mangels sichtbarer Mimik weiß man nicht, ob er dabei lächelt, aber es klingt so. Gemeinsam nehmen wir einen Seiteneingang des LSD und steigen hinauf zu seinem Atelier. Entlang einer einer leicht geknickten Fensterachse sieht man aus dem zweiten Stock hinab auf eine Szenerie, für die Ernst Ludwig Kirchner, Rainer Werner Fassbinder und Nan Goldin gleichermaßen dankbar wären. Die Geschichte, wie Àl Varo dieses Studio gefunden hat existiert in mehreren Versionen, oder man sollte besser sagen Visionen, denn Àl Varo ist definitiv ein Mann, der noch Visionen hat – und der zielsicher erkannt haben muss, dass es nicht irgendein, sondern nur genau dieses Atelier für ihn sein kann, über einer Westberliner Ikone, mitten im Nexus. Dieses Studio ist eine weitere Episode von etwas, das Àl Varo seine journey of creation nennt, eine Schaffensreise. Ál Varo Tavares Guilherme wurde 1992 in Luanda, Angola geboren. Mit acht Jahren wurde von seiner Mutter nach Portugal geschickt. Ohne Papiere, aber mit einem Schaffensdrang des Selfmademan schlug er sich durch, verkaufte Kunst auf der Straße, arbeitete in Restaurants („immer in den besten“), studierte Visuelle Kunst am Instituto Superior Miguel Torga in Lissabon. Aber in Lissabon war die Reise noch nicht zuende. Aus einer Laune heraus kam Àl Varo im Februar 2018 mit zwanzig Euro in der Tasche nach Berlin, „ohne zu wissen, dass es ein Dschungel ist“, wie er sagt, aber mit der Vision, es in Berlin zu dem Maler zu bringen, der er immer schon sein wollte. Ein Künstler unserer Zeit, der anfangs in einem besetzten Haus am Halleschen Tor schlief – ein Platz, den Àl Varo wie das englische Wort für Hölle ausspricht: Hellishes Tor.

„Wenigstens wußte ich so, wohin die Reise geht“ , sagt er und lacht. Die Skimaske hat er gleich wieder ausgezogen, sie ist ein Requisit, wie die stichfeste Weste an der Wand. Oder doch nicht? Die Erfahrung, vom Leben in einen unübersichtlichen Raum geworfen zu werden und doch immer auf den Füßen zu landen hat sich in seine Bilder eingeschrieben. Àl Varo Tavares D’Guilhermes großformatige Leinwände haben kein Zentrum, kennen keine Hierarchie. Aber auch die schlaff-coole Abwesenheit von Hierarchie ist seine Sache nicht. Der Künstler lenkt uns, er zeigt, spielt, mit anderen Worten: er erzählt. Die Art und Weise, wie Àl Varo in jedem Winkel und jeder Ecke eines Bilder noch eine Überraschung verstecken kann, erinnert an die combine paintings von Robert Rauschenberg, der ja auch ein durch und durch urbaner Künstler war, geprägt von Aufeinanderprallen unterschiedlichster Sphären in einem einzigen Bild, chaotisch und unübersichtlich, aber eben doch nicht unnahbar oder völlig kryptisch.

Àl Varo Tavares D’Guilhermes Soloschau „No church wild“ in der DITTRICH & SCHLECHTRIEM versammelt acht Werke, die alle innerhalb der letzten sechs Monate entstanden sind. Darunter ist das titelgebende „No church in the wild“ mit seinen tanzenden Formen auf dunklem Grund, aber auch zwei Bilder, die in ihrer blasseren Farbigkeit die Zeichenpraxis des Künstlers auf der Leinwand fortführen. Die Kohle- und Kreidestriche auf „She’s special“ sehen aus wie unbeabsichtigte Markierungen und erzeugen eine poetische Leichtigkeit, die mit den starken Farben der übrigen Werke kontrastiert, aber aus denselben Quellen schöpft – aus allen nämlich, die man sich so vorstellen kann. Da sind griechische Gottheiten, da sind grelle Schutzwesten und ein „Astrokrokodil“, da sind Tischchen mit Pistolen und Gabeln darauf in einem pseudonaiven Stil, der keine Angst vor intensiven Farben hat, da wird ein schmutzigblauer Himmel als Farbfeld inszeniert und eine dorische Säule hineingerammt, die wiederum auf einem goldenen Tisch steht. („Athena’s tears over golden table“). Magisch wie das zusammengeht. Und es ist noch Platz für die Zeichnung einer picassösen Stiermaske.

„Ich experimentiere mit verschiedenen Materialien“, erklärt Àl Varo rauchend im Atelier. Etwa mit Spiegeln, die von zwei Seiten als Malgrund dienen, als unendlich sich veränderndes Doppelbild. In der Ausstellung hängen sie von der Decke herab und fangen die anderen Bilder und das Publikum ein. Anstatt die Glätte des Spiegels zu betonen und ihn als neutrales Gegenüber des Betrachters zu nutzen, markiert der Künstler ihn, macht ihn zur einer spiegelnden Erzählung. Die Hand des Malers bleibt immer im Spiel. Das hat nicht nur mit Gestaltungsfreude zu tun, sondern auch mit Selbstbehauptung. Für Zeichnung und Malerei kann man im Grunde alles hernehmen, man braucht keinen White Cube dazu (den er auf seiner journey auch nie zur Verfügung hatte) Und man sieht die Spuren der eigenen Person wiedergespiegelt im Bild, ein Beweis für die eigene, unverwechselbare Existenz, in der sich viele Einflüsse und Herkünfte verbinden. The Journey of Àl Varo.

In der der monumentalen, wegweisenden Ausstellung „Postwar“ von Okwui Enwezor im Jahr 2016 erforschte die globale Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg. Ein Kapitel war nach dem „Kosmopolitischen Modernismus“ benannt, in dem afrikanische, westliche, arabische und asiatische Künstler zuvor ungesehene Verbindungen zwischen modernen Bilderpraktiken und kulturellen Traditionen herstellten. „Besonders weitverbreitet“, hieß es da, „war eine Art gestischer Zeichensetzung, die ebenso ikonisch wie indexikalisch war. Diese Zeichnsetzung beschwört Identität und Bedeutungsebenen, indem sie auf Sprache und Lesbarkeit anspielte und die Universalität der Moderne infrage stellte“.

Al Varos Bilder sind so indexikalisch wie ikonisch, sie tragen Slogans und geben Objekte der wirklichen Welt wieder, aber immer mit Spuren der eigenen Person und der ihm eigenen, ideosynkratischen Kombinatorik. Dieses Vernähen unterschiedlichster Kontexte ist auch politisch, ohne es vor sich herzutragen. Àl Varos Geburtsland Angola wurde 1975 nach mehreren hundert Jahren Kolonialherrschaft unabhängig von Portugal. Dieser Teil der Vergangenheit des Landes, sagt der Künstler, war in seiner Schulzeit in Lissabon aber gar kein Thema. Er konnte es nicht erwarten, sagt er, etwas darüber erfahren, wurde aber von Lehrern nur abgewimmelt. Antworten fand er in öffentlichen Bibliotheken, und in der Kunst, auch in der eigenen. Àl Varo möchte „verstehen, wer wir sind und was unsere Zeit ausmacht“. [what’s ours], und dafür scheint ihm Berlin im Moment der richtige Platz zu sein, als „Ort, der experimentell ist und an dem du du selbst sein kannst“. Aber auch einer, am dem er sich fragen muss, „auf welche Weise man heute ein schwarzer Maler sein kann“ – und was es überhaupt bedeutet, im Jahr 2023 zu existieren. Die Antwort, gegeben beim Blick in den Dschungel der Potsdamer Straße, ist typisch Àl Varo und schwer zu übersetzen, weshalb ich darauf verzichte: „A cocktail of elements, and some madness“.

Boris Pofalla (*1983) ist ein in Berlin lebender Journalist, Kunstkritiker und Romanautor. Er studierte Kunstgeschichte und Vergleichende Literaturwissenschaft an der Freien Universität Berlin und schreibt regelmäßig für die Welt, Welt am Sonntag und Monopol.